Jean-Pierre Melville

Référence incontournable du film noir (même s’il aborda, avec réussite, d’autres registres), Jean-Pierre Melville illustre dans presque toutes ses œuvres le mécanisme de la fatalité et son emprise sur des hommes seuls. Ses films, dont la plupart sont empreints des codes et des symboles emblématiques du cinéma noir, se distinguent par le style très particulier du metteur en scène, dominé par une atmosphère froide, tragique et silencieuse, un récit épuré et un rythme lent et solennel.

La carrière de Jean-Pierre Melville débute réellement en 1949, lorsqu’il adapte Le Silence de la mer de Vercors et Les Enfants terribles de Cocteau au cinéma. Admiré par la Nouvelle Vague, il joue le rôle – près de 11 ans plus tard – d’un écrivain dans À bout de souffle de Jean-Luc Godard, qui répond à la jeune journaliste interprétée par Jean Seberg (Les sentiments sont un luxe que peu de femmes peuvent s’offrir). Entre temps, il a réalisé Quand tu liras cette lettre et surtout Bob le flambeur puis Deux hommes dans Manhattan, les deux premiers films réellement représentatifs des influences et de la personnalité de Melville.

Melville et l’Amérique

En effet, le réalisateur est passionné par l’Amérique et par le cinéma américain – en particulier le cinéma noir. Presque tous les grands films de Melville – excepté L’Armée des ombres, un de ses chefs d’œuvre, adapté du roman éponyme de Joseph Kessel – mettent en scène les accessoires (chapeau, imperméable, revolver), les figures mythiques et les codes emblématiques du film noir (la solitude, le destin, la fatalité, la mort). L’apparence de Melville lui-même faisait explicitement référence à l’esthétique du film noir américain (il était souvent affublé d’un chapeau et de lunettes noires).

Le Doulos, avec Jean-Paul Belmondo et Serge Reggiani, Le Deuxième souffle, avec Lino Ventura et Paul Meurisse, Le Cercle rouge avec Alain Delon, André Bourvil, Yves Montand et Gian Maria Volontè, ainsi que Le Samouraï avec Alain Delon et François Périer, dépeignent tous le destin d’hommes (policiers et gangsters) seuls et empêtrés dans les mécanismes tragiques de la fatalité, sur lesquels ils n’ont qu’une emprise illusoire – du moins lorsqu’ils cherchent à en avoir une. Le tueur solitaire du Samouraï, modèle particulièrement épuré du style Melvillien (récit minimaliste ; dialogues pour ainsi dire inexistants et sans importance), est détaché de tout et de tout le monde. Jeff Costello est une figure mythologique avant d’être un être humain, figure autour de laquelle Melville projette son esthétique et ses références en ne s’encombrant plus des enjeux dramatiques qui donnaient au Cercle rouge davantage d’épaisseur, comme s’ils (ces enjeux) risquaient de troubler la perfection formelle de l’ensemble.

Le style Melville

Si le cinéma de Melville est empreint des codes du film noir, c’est là un univers qu’il s’est totalement approprié, au point d’ailleurs de devenir une référence y compris outre Atlantique. La lenteur, le silence (les héros de Melville parlent peu), la précision des cadrages et du montage – dans lequel Melville s’investissait énormément -, la solennité émanant des attitudes de personnages marqués par l’honneur et la dignité, sont autant de caractéristiques communes à la plupart de ses films.

Jean-Pierre Melville, c’est l’art de la mise en scène à l’état pur. Il pouvait tourner une séquence de cinq minutes à partir de deux lignes de scénario, grâce à son style, à son inventivité et à sa science du détail, dont la scène du cambriolage de la bijouterie dans Le Cercle rouge est un parfait exemple. La préparation et le déroulement du casse sont montrés dans leurs plus infimes détails (le policier tireur d’élite et alcoolique Jansen – Yves Montand – fabriquant des balles de fusil ; l’intrusion lente et minutieuse de Corey et Vogel – Delon et Volontè – dans la bijouterie ; la neutralisation du système de sécurité), sans aucune recherche du spectaculaire. C’est pourtant bel et bien du spectacle, mais un spectacle sobre, où chaque mouvement, chaque geste semble compter. Peut-être parce qu’ils sont à la fois l’expression de la force – celle de l’homme qui agit – et en même temps les étapes qui, mises bout à bout, conduisent à l’inévitable perte de ceux qui les accomplissent. En ce sens, c’est un peu une cérémonie que filme Jean-Pierre Melville dans ce type de séquence, que les personnages exécutent avec précision sans avoir la moindre idée de ses implications réelles.

Une reconnaissance internationale

Incarnant presque à lui seul le cinéma noir français, Jean-Pierre Melville est extrêmement respecté et admiré par de nombreux réalisateurs étrangers, qui le citent très régulièrement aussi bien dans des interviews que, indirectement, dans leurs œuvres. John Woo et Quentin Tarantino font partie des exemples les plus flagrants. On peut aussi supposer que Jim Jarmush songeait au Samouraï en tournant Ghost Dog.